VitaArte Art Dealers y sus espacios de arte se presentan como un punto de encuentro digital
y alternativo de exhibición para coleccionistas, creadores, críticos y aficionados a las artes plásticas en general.
VitaArte Art Dealers y sus espacios de arte se presentan como un punto de encuentro digital y alternativo de exhibición para coleccionistas, creadores, críticos y aficionados a las artes plásticas en general.
VitaArte Art Dealers y sus espacios de arte
se presentan como un punto de encuentro digital
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Nos apoyamos en los principios fundamentales
del conocimiento, la experiencia en el mercado
del arte y la visión financiera al proponer inversiones
de valor creciente
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del arte y la visión financiera
al proponer inversiones de valor creciente
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Ofrecemos asesoría profesional y servicios personalizados, para satisfacer los gustos personales, las necesidades y las expectativas
de rentabilidad de nuestros clientes particulares
y corporativos, gracias a un equipo
de especialistas, la experiencia
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y servicios personalizados, para satisfacer los gustos personales,
las necesidades y las expectativas
de rentabilidad de nuestros clientes particulares y corporativos, gracias
a un equipo de especialistas,
la experiencia
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de rentabilidad de nuestros clientes particulares
y corporativos, gracias a un equipo
de especialistas, la experiencia
y las relaciones en el medio artístico.
La Galería
Un concepto innovador y versátil “artistas convencionales, en espacios no convencionales”, nos consolida como un espacio que permite además del internet, generar encuentros y exhibiciones donde artistas y coleccionistas pueden compartir experiencias estimulantes y enriquecedoras. “haciendo el arte cada vez más accesible”; y aprovechando las bondades de reconocidas vitrinas y sus marcas, convirtiéndolas en espacios permanentes para las exhibición, difusión y adquisición del arte.
– Esta modalidad nos ha permitido la flexibilidad a la hora de mostrar arte en diversas plataformas.
– Gestionar proyectos culturales, arte de participación y arte urbano.
– La representación de artistas plásticos en ferias de arte y eventos relacionados.
– El acceso ininterrumpido por parte de nuestros clientes y seguidores a cada una de las propuestas.
– La capacidad de atender ordenadamente proyectos de distintas tendencias y estilos.
Artistas
Arturo Quintero
Arturo Quintero imprime en sus obras una geometría particular para darle un sentido más profundo a todas sus creaciones. El artista plástico es un estudioso de los sólidos platónicos: el cubo, el hexaedro, el octaedro, el icosaedro y el dodecaedro, sólidos que generan diversidad de formaciones y de las matemáticas.
Arturo Quintero imprime en sus obras una geometría particular para darle un sentido más profundo a todas sus creaciones. El artista plástico es un estudioso de los sólidos platónicos:
el cubo, el hexaedro, el octaedro,
el icosaedro y el dodecaedro, sólidos que generan diversidad de formaciones
y de las matemáticas.
Arturo Quintero imprime en sus obras una geometría particular para darle un sentido más profundo a todas sus creaciones. El artista plástico es un estudioso de los sólidos platónicos: el cubo, el hexaedro, el octaedro, el icosaedro y el dodecaedro, sólidos que generan diversidad de formaciones
y de las matemáticas.
Sus obras funcionan en pareja que oponen o complementan el juego de los dibujos virtuales, los módulos primarios pentagonales se descomponen y van formando triángulos, rectángulos rombos y curvaturas permitiendo que surjan las formas de los patrones como un resultado no previsto. Las obras son para apreciar a la distancia y descubrir dibujos en cada movimiento, tales como: estrellas, elipsis, cruces o cadenas de flores.
Sus obras funcionan en pareja que oponen o complementan el juego
de los dibujos virtuales, los módulos primarios pentagonales se descomponen y van formando triángulos, rectángulos rombos
y curvaturas permitiendo que surjan
las formas de los patrones como un resultado no previsto. Las obras son para apreciar a la distancia y descubrir dibujos en cada movimiento, tales como: estrellas, elipsis, cruces o cadenas
de flores.
Sus obras funcionan en pareja que oponen o complementan el juego de los dibujos virtuales, los módulos primarios pentagonales se descomponen y van formando triángulos, rectángulos rombos y curvaturas permitiendo que surjan las formas de los patrones como un resultado no previsto. Las obras son para apreciar a la distancia y descubrir dibujos en cada movimiento, tales como: estrellas, elipsis, cruces o cadenas de flores.
Juvenal Ravelo
Juvenal Ravelo, reconocido Maestro del Arte Cinético en Venezuela, su manejo del cinetismo está concebido a partir de la idea de la fragmentación de la luz es el fenómeno que le da vida y permite la visualización del movimiento a sus obras, está considerado como uno de los pioneros de la experiencia cromática participativa de la comunidad en la elaboración de los murales viales a gran escala, la obra de Juvenal está dentro del género geométrico/constructivo, cinético y moderno, arte contemporáneo.
Juvenal Ravelo, reconocido Maestro del Arte Cinético en Venezuela,
su manejo del cinetismo está concebido a partir de la idea
de la fragmentación de la luz
es el fenómeno que le da vida
y permite la visualización del movimiento a sus obras, está considerado como uno de los pioneros de la experiencia cromática participativa de la comunidad
en la elaboración de los murales viales a gran escala, la obra de Juvenal está dentro del género geométrico/ constructivo, cinético y moderno, arte contemporáneo.
Juvenal Ravelo, reconocido Maestro del Arte Cinético
en Venezuela, su manejo del cinetismo está concebido
a partir de la idea de la fragmentación de la luz es el fenómeno que le da vida y permite la visualización del movimiento a sus obras, está considerado como uno de los pioneros de la experiencia cromática participativa de la comunidad en la elaboración de los murales viales a gran escala, la obra de Juvenal está dentro del género geométrico/constructivo, cinético y moderno, arte contemporáneo.
La Obra Gráfica se Ravelo, es un trabajo realizado con la intervención directa del artista sobre un soporte de papel, sus serigrafías están creadas con el mismo diseño y se asemejan a las coloridas texturas que caracterizan su obra bidimensional, generando una asombrosa e impecable repetición de imágenes.
La Obra Gráfica se Ravelo, es un trabajo realizado con la intervención directa del artista sobre un soporte
de papel, sus serigrafías están creadas con el mismo diseño y se asemejan
a las coloridas texturas que caracterizan su obra bidimensional, generando una asombrosa e impecable repetición de imágenes.
La Obra Gráfica se Ravelo, es un trabajo realizado
con la intervención directa del artista sobre un soporte de papel, sus serigrafías están creadas con el mismo diseño y se asemejan a las coloridas texturas que caracterizan su obra bidimensional, generando una asombrosa e impecable repetición de imágenes.
Consuelo Gunnari
Las formas geométricas y específicamente la “Redonda” es la figura que Consuelo Gunnari intuitivamente elige para retener un fragmento de realidad y presentarnos su propuesta artística fotográfica, ella simplemente elige y pone bajo su foco, tras las infinitas posibilidades de la cotidianidad, es testigo y nos hace cómplices de cada instante, de cada lugar visitado, no es la postal lo que le interesa, sino lo sencillo que se instala en el eterno de una fotografía, es la esencia atrapada en una forma, la única que puede representar la unidad según la metafísica: el círculo.
Las formas geométricas y específicamente la “Redonda”
es la figura que Consuelo Gunnari intuitivamente elige para retener un fragmento de realidad y presentarnos su propuesta artística fotográfica, ella simplemente elige y pone bajo su foco, tras las infinitas posibilidades de la cotidianidad, es testigo y nos hace cómplices de cada instante, de cada lugar visitado, no es la postal lo que le interesa, sino lo sencillo que se instala en el eterno de una fotografía, es la esencia atrapada en una forma, la única que puede representar la unidad según la metafísica:
el círculo.
Las formas geométricas y específicamente la “Redonda”
es la figura que Consuelo Gunnari intuitivamente elige para retener un fragmento de realidad y presentarnos su propuesta artística fotográfica, ella simplemente elige y pone bajo su foco, tras las infinitas posibilidades de la cotidianidad, es testigo y nos hace cómplices de cada instante, de cada lugar visitado, no es la postal lo que le interesa, sino lo sencillo que se instala en el eterno de una fotografía, es la esencia atrapada en una forma, la única que puede representar la unidad según la metafísica:
el círculo.
Marianella Ruiz
La nutrida trayectoria de Marianella Ruiz, nos deja ver una variada serie de piezas tridimensionales que van desdé coloridas instalaciones de vitrales a gran escala, a una no menos llamativa pero reducida en tamaño propuesta de esculturas figurativas, sus obras son objetos de la vida cotidiana y de la familia de las plantas, sus formatos van de gran, mediano a pequeño tamaño, colgantes, de pared y de base, en técnica mixta, con tonalidades que van de lo suave a lo más fuerte y que dejan ver en todos los casos, la profunda conexión que la artista posee con la naturaleza, la cual se refleja a lo largo de su amplia carrera.
La nutrida trayectoria de Marianella Ruiz, nos deja ver una variada serie de piezas tridimensionales que van desdé coloridas instalaciones de vitrales a gran escala, a una no menos llamativa pero reducida en tamaño propuesta de esculturas figurativas, sus obras son objetos de la vida cotidiana y de la familia de las plantas, sus formatos van de gran, mediano a pequeño tamaño, colgantes, de pared y de base, en técnica mixta, con tonalidades que van de lo suave a lo más fuerte y que dejan ver en todos los casos, la profunda conexión que la artista posee con la naturaleza, la cual se refleja a lo largo de su amplia carrera.
La nutrida trayectoria de Marianella Ruiz, nos deja ver una variada serie de piezas tridimensionales que van desdé coloridas instalaciones de vitrales a gran escala, a una no menos llamativa pero reducida en tamaño propuesta de esculturas figurativas, sus obras son objetos de la vida cotidiana y de la familia de las plantas, sus formatos van de gran, mediano a pequeño tamaño, colgantes, de pared y de base, en técnica mixta, con tonalidades que van de lo suave a lo más fuerte y que dejan ver en todos los casos, la profunda conexión que la artista posee con la naturaleza, la cual se refleja a lo largo de su amplia carrera.
Luis Mille
La contemporaneidad es la reinversión, la inclusión de nuevos materiales, nuevos conceptos, es la transformación de ideas, justamente cuando la obra adquiere una dimensión de libertad y es así como Luis Mille define el momento en el que desenvuelve su obra, un trabajo que se caracteriza por mostrar instalaciones de esculturas espaciales absolutas, una investigación que lo ha llevado a salir de la propuesta de la escultura convencional, los materiales no varían mucho y en cuanto a los colores también responden a una paleta bien limitada.
La contemporaneidad es la reinversión, la inclusión de nuevos materiales, nuevos conceptos, es la transformación de ideas, justamente cuando la obra adquiere una dimensión de libertad y es así como Luis Mille define el momento en el que desenvuelve su obra, un trabajo que se caracteriza por mostrar instalaciones de esculturas espaciales absolutas, una investigación que lo ha llevado a salir de la propuesta de la escultura convencional, los materiales no varían mucho y en cuanto a los colores también responden a una paleta bien limitada.
La contemporaneidad es la reinversión, la inclusión de nuevos materiales, de nuevos conceptos, es la transformación de ideas, es justamente cuando la obra adquiere una dimensión de libertad y es así como Luis Mille define el momento en el que desenvuelve su obra, un trabajo que se caracteriza por mostrar instalaciones de esculturas espaciales absolutas, una investigación que lo ha llevado a salir de la propuesta de la escultura convencional, los materiales no varían mucho y en cuanto a los colores también responden a una paleta bien limitada.
Mille define su obra como una fenomenología del espacio basada en la concepción de la tridimensionalidad como una condición dinámica a través de la flexión, expansión y tensión, donde el espacio no contiene simplemente la obra: el espacio es la obra de arte.
Mille define su obra como una fenomenología del espacio basada en la concepción de la tridimensionalidad como una condición dinámica a través de la flexión, expansión y tensión, donde el espacio no contiene simplemente la obra: el espacio es la obra de arte.
Mille define su obra como una fenomenología del espacio basada en la concepción de la tridimensionalidad como una condición dinámica a través de la flexión, expansión y tensión, donde el espacio no contiene simplemente la obra: el espacio es la obra de arte.
Adolfo Alayón
La exportación a gran escala de los pequeños fragmentos que implica el minucioso trabajo de los tejidos de la cestería indígena, sirven para la reproducción gráfica en papel de la obra de Adolfo Alayón.
La exportación a gran escala de los pequeños fragmentos que implica el minucioso trabajo de los tejidos de la cestería indígena, sirven para la reproducción gráfica en papel de la obra de Adolfo Alayón.
La exportación a gran escala de los pequeños fragmentos que implica el minucioso trabajo de los tejidos de la cestería indígena, sirven para la reproducción gráfica en papel de la obra de Adolfo Alayón.
Una vez más es la línea, en su forma elemental, el motivo para la construcción de un discurso artístico que se despliega hacia al espacio del papel; espacio desnudo que recibirá este armonioso enjambre de trazos y tejidos cuya condición esencial se revela ante las barras monocromas en un salto vivaz, permitiéndonos apreciar el espacio-luz
en su forma vibrante, en él se tejerá esa filigrana en movimiento virtual, casi sonoro, cuya dinámica se desprende en un fluir rítmico de volumen amplio e ilimitado, como las mallas típicamente utilizadas en los utensilios cotidianos de los Indios de la Selva Venezolana.
Una vez más es la línea, en su forma elemental, el motivo para la construcción de un discurso artístico que se despliega hacia al espacio del papel; espacio desnudo que recibirá este armonioso enjambre de trazos y tejidos cuya condición esencial se revela ante las barras monocromas en un salto vivaz, permitiéndonos apreciar el espacio-luz en su forma vibrante, en él se tejerá esa filigrana en movimiento virtual, casi sonoro, cuya dinámica se desprende en un fluir rítmico de volumen amplio e ilimitado, como las mallas típicamente utilizadas en los utensilios cotidianos de los Indios de la Selva Venezolana.
Una vez más es la línea, en su forma elemental, el motivo para la construcción de un discurso artístico que se despliega hacia al espacio del papel; espacio desnudo que recibirá este armonioso enjambre de trazos y tejidos cuya condición esencial se revela ante las barras monocromas en un salto vivaz, permitiéndonos apreciar el espacio-luz en su forma vibrante, en él se tejerá esa filigrana en movimiento virtual, casi sonoro, cuya dinámica se desprende en un fluir rítmico de volumen amplio e ilimitado, como las mallas típicamente utilizadas en los utensilios cotidianos de los Indios de la Selva Venezolana.
Antonio Paz
La propuesta creativa de Antonio Paz está definida como: “Geometría Rigorista”, basada en los planteamientos de la Escuela del Rigor Italiana, la cual plantea la búsqueda de la forma primogénia, de la creación del universo, la belleza, todos ellos implícitos en ese inicio existencial. Para ello el artista adopta prácticas del Espacialismo, concebido como un movimiento contemporáneo, resaltando la uniformidad de la consecución modular y la ausencia de centro de gravedad en su composición, de esta manera lograr producir tensión a través de elementos de la composición, en la cual el espectador disfruta la quietud de la “fotografía del instante cinético” más intuye el movimiento, sospecha la tensión ejercida sobre la forma y la relación de la misma con su disposición espacial, donde la línea curva produce la precipitación de los tonos cromáticos convirtiéndolos en vibración sonora, y el color tiene la tendencia a fugar por vibración produciendo un elemento etéreo pero palpable en la composición.
La propuesta creativa de Antonio Paz está definida como: “Geometría Rigorista”, basada en los planteamientos de la Escuela del Rigor Italiana, la cual plantea la búsqueda de la forma primogénia, de la creación del universo, la belleza, todos ellos implícitos en ese inicio existencial. Para ello el artista adopta prácticas del Espacialismo, concebido como un movimiento contemporáneo, resaltando la uniformidad de la consecución modular y la ausencia de centro de gravedad en su composición, de esta manera lograr producir tensión a través de elementos de la composición, en la cual el espectador disfruta la quietud de la “fotografía del instante cinético” más intuye el movimiento, sospecha la tensión ejercida sobre la forma y la relación de la misma con su disposición espacial, donde la línea curva produce la precipitación de los tonos cromáticos convirtiéndolos en vibración sonora, y el color tiene la tendencia a fugar por vibración produciendo un elemento etéreo pero palpable en la composición.
La propuesta creativa de Antonio Paz está definida como: “Geometría Rigorista”, basada en los planteamientos de la Escuela del Rigor Italiana, la cual plantea la búsqueda de la forma primogénia, de la creación del universo, la belleza, todos ellos implícitos en ese inicio existencial. Para ello el artista adopta prácticas del Espacialismo, concebido como un movimiento contemporáneo, resaltando la uniformidad de la consecución modular y la ausencia de centro de gravedad en su composición, de esta manera lograr producir tensión a través de elementos de la composición, en la cual el espectador disfruta la quietud de la “fotografía del instante cinético” más intuye el movimiento, sospecha la tensión ejercida sobre la forma y la relación de la misma con su disposición espacial, donde la línea curva produce la precipitación de los tonos cromáticos convirtiéndolos en vibración sonora, y el color tiene la tendencia a fugar por vibración produciendo un elemento etéreo pero palpable en la composición.
Ana Margarita Ramírez
La Obra de Ana Margarita Ramírez es el resultado de la construcción de un discurso plástico derivado de la acción de pintar, representa el origen de una obra profundamente gestual. Busca en las huellas de las pinceladas y en los residuos de pigmento del dripping sobre las superficies, las películas de pintura que van formando ricas calidades pictóricas. Luego,estas capas son removidas para crear un nuevo collage de texturas y colores, a los que la artista denomina “Tejidos” y es que literalmente los va entrelazando hasta formar una gran y muy colorida mancha abstracta, la cual devuelve al lienzo y lo presenta bidimensionalmente en forma de cuadro o tridimensionalmente en forma de escultura, según sea el caso.
La Obra de Ana Margarita Ramírez es el resultado de la construcción de un discurso plástico derivado de la acción de pintar, representa el origen de una obra profundamente gestual. Busca en las huellas de las pinceladas y en los residuos de pigmento del dripping sobre las superficies, las películas de pintura que van formando ricas calidades pictóricas. Luego,estas capas son removidas para crear un nuevo collage de texturas y colores, a los que la artista denomina “Tejidos” y es que literalmente los va entrelazando hasta formar una gran y muy colorida mancha abstracta, la cual devuelve al lienzo y lo presenta bidimensionalmente en forma de cuadro o tridimensionalmente en forma de escultura, según sea el caso.
La Obra de Ana Margarita Ramírez es el resultado de la construcción de un discurso plástico derivado de la acción de pintar, representa el origen de una obra profundamente gestual. Busca en las huellas de las pinceladas y en los residuos de pigmento del dripping sobre las superficies, las películas de pintura que van formando ricas calidades pictóricas. Luego,estas capas son removidas para crear un nuevo collage de texturas y colores, a los que la artista denomina “Tejidos” y es que literalmente los va entrelazando hasta formar una gran y muy colorida mancha abstracta, la cual devuelve al lienzo y lo presenta bidimensionalmente en forma de cuadro o tridimensionalmente en forma de escultura, según sea el caso.
En ocasiones, se suma a la composición intervenciones caligráficas que aumentan los efectos sensoriales, la cual cambia según la distancia. De cerca ofrece una cartografía de cualidades plásticas, de lejos, se convierte en una amplia superficie intervenida con pigmentos precipitados libremente.
En ocasiones, se suma a la
composición intervenciones
caligráficas que aumentan los efectos sensoriales, la cual cambia según la distancia. De cerca ofrece una cartografía de cualidades plásticas, de lejos, se convierte en una amplia superficie intervenida con pigmentos precipitados libremente.
En ocasiones, se suma a la composición intervenciones caligráficas que aumentan los efectos sensoriales, la cual cambia según la distancia. De cerca ofrece una cartografía
de cualidades plásticas, de lejos, se convierte en una amplia superficie intervenida con pigmentos precipitados libremente.
Hector Coll
Hector Coll sustenta su trabajo en la creatividad y en una continua experimentación con los materiales, en su propuesta, la liviandad del soporte y el diseño, potencian el espacio. El resultado es la unión de la obra con el espectador a través de figuras abstractas orgánicas o geométricas, de combinaciones cromáticas y de movimiento sutil o dinámico, cuyos efectos perceptivos se enlazan con el cinetismo.
Hector Coll sustenta su trabajo en la creatividad y en una continua experimentación con los materiales, en su propuesta, la liviandad del soporte y el diseño, potencian el espacio. El resultado es la unión de la obra con el espectador a través de figuras abstractas orgánicas o geométricas, de combinaciones cromáticas y de movimiento sutil o dinámico, cuyos efectos perceptivos se enlazan con el cinetismo.
Hector Coll sustenta su trabajo en la creatividad y en una continua experimentación con los materiales, en su propuesta, la liviandad del soporte y el diseño, potencian el espacio. El resultado es la unión de la obra con el espectador a través de figuras abstractas orgánicas o geométricas, de combinaciones cromáticas y de movimiento sutil o dinámico, cuyos efectos perceptivos se enlazan con el cinetismo.
Coll retoma la práctica bauhausiana de la integración de distintas especialidades para enfrentar problemáticas tecnológicas que le permiten acometer proyectos de cierta envergadura en la ejecución. Estas resoluciones provienen de su pasión por los materiales, de los que aprovecha sus propiedades en cuanto a resistencia, peso, sujeción y dinamismo. En la agudeza de su ingenio está siempre presente el divertimento, el sentido del humor, con el cual revisita el arte moderno para formular un nuevo lenguaje. En este proceso, la experiencia lúdica que vive como artista, y la que transmite a través de su obra, lleva al espectador a una conexión placentera que torna cercano el arte a lo cotidiano.
Coll retoma la práctica bauhausiana de la integración de distintas especialidades para enfrentar problemáticas tecnológicas que le permiten acometer proyectos de cierta envergadura en la ejecución. Estas resoluciones provienen de su pasión por los materiales, de los que aprovecha sus propiedades en cuanto a resistencia, peso, sujeción y dinamismo. En la agudeza de su ingenio está siempre presente el divertimento, el sentido del humor, con el cual revisita el arte moderno para formular un nuevo lenguaje. En este proceso, la experiencia lúdica que vive como artista, y la que transmite a través de su obra, lleva al espectador a una conexión placentera que torna cercano el arte a lo cotidiano.
Coll retoma la práctica bauhausiana de la integración de distintas especialidades para enfrentar problemáticas tecnológicas que le permiten acometer proyectos de cierta envergadura en la ejecución. Estas resoluciones provienen de su pasión por los materiales, de los que aprovecha sus propiedades en cuanto a resistencia, peso, sujeción y dinamismo. En la agudeza de su ingenio está siempre presente el divertimento, el sentido del humor, con el cual revisita el arte moderno para formular un nuevo lenguaje. En este proceso, la experiencia lúdica que vive como artista, y la que transmite a través de su obra, lleva
al espectador a una conexión placentera que torna cercano
el arte a lo cotidiano.
David Sánchez
David Sánchez-Vagnoni es un artista que ha despuntado a través de un trabajo pictórico abstracto geométrico. En esta tendencia se plantea el desarrollo de situaciones plástico-formales y sensoriales a través de la línea, el color, la composición, el ritmo, para explorar ciertas narrativas contemporáneas. En el caso de Sánchez Vagnoni, sus búsquedas están enfocadas en lograr ópticamente juegos visuales en las perspectivas y la tercera dimensión sobre el plano bidimensional por medio de permutaciones de figuras, combinaciones de planos geométricos, composiciones inusitadas y relaciones cromáticas. Su trabajo nos devuelve al oficio del dominio técnico del pincel y el acrílico, procedimientos que también ha llevado a la escala urbana, impactando visualmente y desde un ámbito social su entorno.
David Sánchez-Vagnoni es un artista que ha despuntado a través de un trabajo pictórico abstracto geométrico. En esta tendencia se plantea el desarrollo de situaciones plástico-formales y sensoriales a través de la línea, el color, la composición, el ritmo, para explorar ciertas narrativas contemporáneas. En el caso de Sánchez Vagnoni, sus búsquedas están enfocadas en lograr ópticamente juegos visuales en las perspectivas y la tercera dimensión sobre el plano bidimensional por medio de permutaciones de figuras, combinaciones de planos geométricos, composiciones inusitadas y relaciones cromáticas. Su trabajo nos devuelve al oficio del dominio técnico del pincel y el acrílico, procedimientos que también ha llevado a la escala urbana, impactando visualmente y desde un ámbito social su entorno.
David Sánchez-Vagnoni es un artista que ha despuntado a través de un trabajo pictórico abstracto geométrico. En esta tendencia se plantea el desarrollo de situaciones plástico-formales y sensoriales a través de la línea, el color, la composición, el ritmo, para explorar ciertas narrativas contemporáneas. En el caso de Sánchez Vagnoni, sus búsquedas están enfocadas en lograr ópticamente juegos visuales en las perspectivas y la tercera dimensión sobre el plano bidimensional por medio de permutaciones de figuras, combinaciones de planos geométricos, composiciones inusitadas y relaciones cromáticas. Su trabajo nos devuelve al oficio del dominio técnico del pincel y el acrílico, procedimientos que también ha llevado a la escala urbana, impactando visualmente y desde un ámbito social su entorno.
Orlando Perdomo
La propuesta artística de Orlando Perdomo incluye obras urbanas a gran escala, como lo es el Monumento Mirador Manto de María, uniendo la arquitectura y el arte en un proyecto de gran complejidad técnica e impacto visual Urbano, convirtiéndose ésta obra en el monumento Mariano más grande del mundo. A partir de ésta obra, inicia su búsqueda para desarrollar un lenguaje escultórico a menor escala, el cual da como resultado piezas que plantean la búsqueda del movimiento más allá del cinetismo y las que conforma, con delgadas barras de cobre, tensadas en largos hilos de Nylon, para finalmente ser perfectamente alineadas en un marco que da orden a las figuras humanas, geométricas
La propuesta artística de Orlando Perdomo incluye obras urbanas a gran escala, como lo es el Monumento Mirador Manto de María, uniendo la arquitectura y el arte en un proyecto de gran complejidad técnica e impacto visual Urbano, convirtiéndose ésta obra en el monumento Mariano más grande del mundo. A partir de ésta obra, inicia su búsqueda para desarrollar un lenguaje escultórico a menor escala, el cual da como resultado piezas que plantean la búsqueda del movimiento más allá del cinetismo y las que conforma, con delgadas barras de cobre, tensadas en largos hilos de Nylon, para finalmente ser perfectamente alineadas en un marco que da orden a las figuras humanas, geométricas
La propuesta artística de Orlando Perdomo incluye obras urbanas a gran escala, como lo es el Monumento Mirador Manto de María, uniendo la arquitectura y el arte en un proyecto de gran complejidad técnica e impacto visual Urbano, convirtiéndose ésta obra en el monumento Mariano más grande del mundo. A partir de ésta obra, inicia su búsqueda para desarrollar un lenguaje escultórico a menor escala, el cual da como resultado piezas que plantean la búsqueda del movimiento más allá del cinetismo y las que conforma, con delgadas barras de cobre, tensadas en largos hilos de Nylon, para finalmente ser perfectamente alineadas en un marco que da orden a las figuras humanas, geométricas y religiosas que presenta.
Hector Ramirez
El trabajo de Hector Ramirez surge de la decisión de experimentar las distintas formas en las que sobreposición de cientos de puntos pequeñas retículas funcionan para forman un todo, mientras se entrelazan y relacionan entre sí, revelando así la capacidad que tiene cada pieza de jugar con el ojo humano. Su trabajo, siempre evolutivo, tanto en las técnicas como en el formato expositivo, demuestran su constante interés por la “Fragmentación de la Luz”, en su presencia y su ausencia, en donde también interviene “La Sombra” como elemento fundamental para darle resolución al espacio y a la obra y es la razón por la cual vemos una particular ausencia del color, siendo el blando y el negro los protagonistas del movimiento cinético que captamos en ellas.
El trabajo de Hector Ramirez surge de la decisión de experimentar las distintas formas en las que sobreposición de cientos de puntos pequeñas retículas funcionan para forman un todo, mientras se entrelazan y relacionan entre sí, revelando así la capacidad que tiene cada pieza de jugar con el ojo humano. Su trabajo, siempre evolutivo, tanto en las técnicas como en el formato expositivo, demuestran su constante interés por la “Fragmentación de la Luz”, en su presencia y su ausencia, en donde también interviene “La Sombra” como elemento fundamental para darle resolución al espacio y a la obra y es la razón por la cual vemos una particular ausencia del color, siendo el blando y el negro los protagonistas del movimiento cinético que captamos en ellas.
El trabajo de Hector Ramirez surge de la decisión de experimentar las distintas formas en las que sobreposición de cientos de puntos pequeñas retículas funcionan para forman un todo, mientras se entrelazan y relacionan entre sí, revelando así la capacidad que tiene cada pieza de jugar con el ojo humano. Su trabajo, siempre evolutivo, tanto en las técnicas como en el formato expositivo, demuestran su constante interés por la “Fragmentación de la Luz”, en su presencia y su ausencia, en donde también interviene “La Sombra” como elemento fundamental para darle resolución al espacio y a la obra y es la razón por la cual vemos una particular ausencia del color, siendo el blando y el negro los protagonistas del movimiento cinético que captamos en ellas.
Juan Luis Landaeta
La obra de Juan Luis Landaeta está compuesta por un conjunto de obras que a través de sus colores, formas, materiales y la constante participación del punto y la línea, a manera de sablazo, logran construir un diálogo perfecto y un discurso artístico, capaz de generar contenidos dentro del expresionismo abstracto.
La obra de Juan Luis Landaeta
está compuesta por un conjunto de obras que a través de sus colores, formas, materiales y la constante participación del punto y la línea,
a manera de sablazo, logran
construir un diálogo perfecto
y un discurso artístico, capaz
de generar contenidos dentro
del expresionismo abstracto.
La obra de Juan Luis Landaeta está compuesta por un conjunto de obras que a través de sus colores, formas, materiales y la constante participación del punto y la línea, a manera de sablazo, logran construir un diálogo perfecto y un discurso artístico, capaz de generar contenidos dentro del expresionismo abstracto.
Landaeta busca que todo el peso de la expresión recaiga en el gesto, su obra es la consecuencia del brochazo y no de la pincelada, son agresiones al lienzo que en la mayoría de los casos no tienen una forma perfectamente definida, como él mismo lo comenta “estas obras no se hacen con pinceladas. Se hacen como quien está frisando una pared, con movimientos precisos y en un solo trazo.
Landaeta busca que todo el peso de la expresión recaiga en el gesto, su obra es la consecuencia del brochazo y no de la pincelada, son agresiones al lienzo que en la mayoría de los casos no tienen una forma perfectamente definida, como él mismo lo comenta “estas obras no se hacen con pinceladas. Se hacen como quien está frisando una pared, con movimientos precisos y en un solo trazo.
Landaeta busca que todo el peso de la expresión recaiga en el gesto, su obra es la consecuencia del brochazo y no de la pincelada, son agresiones al lienzo que en la mayoría de los casos no tienen una forma perfectamente definida, como él mismo lo comenta “estas obras no se hacen con pinceladas. Se hacen como quien está frisando una pared, con movimientos precisos y en un solo trazo.
Todo encaja en el rompecabezas de su obra, al reflexionar sobre la tradición pictórica asiática, con la que se identifica, porque allí, del mismo modo que él lo concibe, no hay distinción entre pintor, poeta y calígrafo.
Todo encaja en el rompecabezas de su obra, al reflexionar sobre la tradición pictórica asiática, con la que se identifica, porque allí, del mismo modo que él lo concibe, no hay distinción entre pintor, poeta y calígrafo.
Todo encaja en el rompecabezas de su obra, al reflexionar sobre la tradición pictórica asiática, con la que se identifica, porque allí, del mismo modo que él lo concibe, no hay distinción entre pintor, poeta y calígrafo.
Leo Moleiro
En el trabajo de Leo Moleiro podemos ver como la presencia de la figura femenina “La MUJER” ha sido decisiva para la resolución y presentación de su propuesta artística. Con sus composiciones abstractas de gran, mediano y pequeño formato les rinde homenaje a la abuela, madre, esposa, hermana, tía, prima, amiga. Estas mujeres reales se fusionan con la figura de las hadas, sublimando los atributos femeninos a un nivel exaltado de fantasía.
En el trabajo de Leo Moleiro podemos ver como la presencia de la figura femenina “La MUJER” ha sido decisiva para la resolución y presentación de su propuesta artística. Con sus composiciones abstractas de gran, mediano y pequeño formato les rinde homenaje a la abuela, madre, esposa, hermana, tía, prima, amiga. Estas mujeres reales se fusionan con la figura de las hadas, sublimando los atributos femeninos a un nivel exaltado de fantasía.
En el trabajo de Leo Moleiro podemos ver como la presencia de la figura femenina “La MUJER” ha sido decisiva para la resolución y presentación de su propuesta artística. Con sus composiciones abstractas de gran, mediano y pequeño formato les rinde homenaje a la abuela, madre, esposa, hermana, tía, prima, amiga. Estas mujeres reales se fusionan con la figura de las hadas, sublimando los atributos femeninos a un nivel exaltado de fantasía.
“En mi trabajo y su evolución, solo hay una cosa que siempre ha estado presente: las Hadas. Algunas las llaman mujeres, yo las llamo Hadas… El hecho de que estén siempre en mi trabajo expresa mi constante admiración por sus luchas, amor, alegrías, aciertos, fracasos y sufrimientos… Aparecen e invaden mi lienzo para poseerlo ”. Su obra no solo es activa en sus lienzos multicolor, también forma parte de los museos al aire libre en los que el artista desde hace ya varios años participa, interviniendo espacios, convirtiendo las calles en galerías viales, este es un discurso que le interesa y ha sabido experimentar.
“En mi trabajo y su evolución, solo hay una cosa que siempre ha estado presente: las Hadas. Algunas las llaman mujeres, yo las llamo Hadas… El hecho de que estén siempre en mi trabajo expresa mi constante admiración por sus luchas, amor, alegrías, aciertos, fracasos y sufrimientos… Aparecen e invaden mi lienzo para poseerlo ”. Su obra no solo es activa en sus lienzos multicolor, también forma parte de los museos al aire libre en los que el artista desde hace ya varios años participa, interviniendo espacios, convirtiendo las calles en galerías viales, este es un discurso que le interesa y ha sabido experimentar.
“En mi trabajo y su evolución, solo hay una cosa que siempre ha estado presente: las Hadas. Algunas las llaman mujeres, yo las llamo Hadas… El hecho de que estén siempre en mi trabajo expresa mi constante admiración por sus luchas, amor, alegrías, aciertos, fracasos y sufrimientos… Aparecen e invaden mi lienzo para poseerlo ”. Su obra no solo es activa en sus lienzos multicolor, también forma parte de los museos al aire libre en los que el artista desde hace ya varios años participa, interviniendo espacios, convirtiendo las calles en galerías viales, este es un discurso que le interesa y ha sabido experimentar.
Jonathan Brender
La carrera de Jonatan Brender comenzó el día que decidió hacer arte desde la dedicación, el esfuerzo y la admiración por la naturaleza. Después de años trabajando sobre lienzos, descubre su propio estilo en la técnica del puntillismo, a sus singulares representaciones las llaman flores puntiagudas. Cada pieza está hecha a mano, es única y contienen decenas de miles de puntos pintados a mano, en la que interviene una amplia paleta de colores y las que dispone de tal forma que asemejan y nos recuerdan la perfección de un tapiz, creando así una obra de arte verdaderamente notable, hermosa y original.
La carrera de Jonatan Brender comenzó el día que decidió hacer arte desde la dedicación, el esfuerzo y la admiración por la naturaleza. Después de años trabajando sobre lienzos, descubre su propio estilo en la técnica del puntillismo, a sus singulares representaciones las llaman flores puntiagudas. Cada pieza está hecha a mano, es única y contienen decenas de miles de puntos pintados a mano, en la que interviene una amplia paleta de colores y las que dispone de tal forma que asemejan y nos recuerdan la perfección de un tapiz, creando así una obra de arte verdaderamente notable, hermosa y original.
La carrera de Jonatan Brender comenzó el día que decidió hacer arte desde la dedicación, el esfuerzo y la admiración por la naturaleza. Después de años trabajando sobre lienzos, descubre su propio estilo en la técnica del puntillismo, a sus singulares representaciones las llaman flores puntiagudas. Cada pieza está hecha a mano, es única y contienen decenas de miles de puntos pintados a mano, en la que interviene una amplia paleta de colores y las que dispone de tal forma que asemejan y nos recuerdan la perfección de un tapiz, creando así una obra de arte verdaderamente notable, hermosa y original.
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